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Artistas de Tucumán en exhibiciones individuales y colectivas

ARTES VISUALES

En una nueva entrega la Fundación para el arte contemporáneo de Tucumán hace una revisión de la producción de artistas que forman parte de INTER el “Plan de formación y diálogos para artistas de Tucumán”

Morfogénesis de Damián Miroli






En una nueva conversación con eltucumano.com Gustavo Nieto repasó las exposiciones individuales y/o grupales en las que participaron los y las artistas que forman parte de INTER durante el 2020 y el 2021 para conocer cómo aportaron a la escena local y cómo se proyectaron en otras geografías.

Damián Miroli

El Premio Fundación Andreani nació en 2007 con el objetivo de apoyar, difundir y promover las artes visuales, su Séptima Edición (2020) tuvo por objeto promover las obras de artistas visuales, priorizando la de aquellos que reflexionen, registren, o crucen los campos de las nuevas tecnologías y la ciencia.

Damián Miroli participó de la exhibición esta edición con su obra “Morfogénesis”, una herramienta digital para la exploración de patrones gráficos a partir de variantes espacio-temporales que produce el modelo de reacción-difusión propuesto por Alan Turin en “The Chemical Basis of Morphogenesis” (1951). En este video puede ver cómo es el funcionamiento



La herramienta está escrita utilizando p5.js que es una librería de JavaScript que hace a la programación en código más amigable para artistas, está basada en las enseñanzas de “The Nature of Code” de Daniel Shiffman.

En http://www.morfogenesis.net.ar/ se puede acceder al trabajo e interactuar con él  manipulando unas perillas para así generar innumerables patrones en tiempo real. El sitio también permite descargar la imagen, un auténtico Damián Miroli


Mariano Martínez

En los primeros días de julio de 2021 Mariano Martínez (Tucumán, 1986) presentó en las salas del Teatro Sala Ross “Rapsodia”, su primera exposición individual que contó con la curaduría de Alejandra Mizrahi.

Nos cuenta Mariano “En esta exposición abordé la relación entre pintura, cuerpo y teatro: me interesa discutir que tiene hoy la pintura para aportar, sus problemáticas, desplazamientos y las maneras de trastocarla. Investigo las posibilidades expresivas de la materia y la relación simbiótica entre la pintura y mi cuerpo, como así también el vínculo con el inconsciente. De esta simbiosis surgen cuerpos pictóricos híbridos a los que concibo como seres con posibilidades de habitar un universo ficcional propio. Busco crearles un mundo a través de una puesta en escena, y luego invitar al público a que se sienta parte de esa fantasía. En Rapsodia las pinturas toman el espacio del teatro. Algunas aguardan entre butacas y tarimas; otras se convierten en actrices de una obra de teatro y yo en una suerte de director/a-performer. Utilizo recursos como el sonido y la iluminación para generar un clima de extrañeza y una narrativa ambigua en torno a estos personajes. 

Vista de instalación en la sala 1 del teatro. Fotografía de Pablo Masino

La composición sonora es de autoría de Alina Bardavid, Pablo Masino hizo las fotografías y ambos hicieron el registro audiovisual del cual se puede ver un fragmento en  https://www.youtube.com/watch?v=V-WVVbhRo90, mientras que el catálogo está disponible en https://www.flipsnack.com/mariajosevb/rapsodia-mariano-martinez.html


Bruno Juliano

En octubre de 2021 Bruno Juliano participó de “Simbiología. Prácticas artísticas en un planeta en emergencia”, exhibición organizada por la Secretaría de Patrimonio Cultural, el Centro Cultural Kirchner y el Ministerio de Cultura de la Nación, que reunió en el CCK más de 170 obras de arte argentino contemporáneo que exploran nuevas vinculaciones y mixturas entre lo humano y lo no humano.

La obra exhibida “Monstruo” por Bruno es un calco en volumen de un fragmento de la montaña con grafito sobre papel vegetal en cuya preproducción y dirección técnica partició Rodrigo Cañás, al respecto de la obra dicen Laura Lina y Valeria González

“Juliano enfatiza la idea de traducción desde su potencial transformador: “convertirse en”, ser otro, repensar el intercambio con el cuerpo de la montaña (su olor, temperatura, humedad, peso) en este nuevo fragmento co-creado entre él y la geografía circundante” (link https://simbiologia.cck.gob.ar/hashtags/inter-agencias/

Monstruo. Bruno Juliano. Imagen de Nacho Iasparra


Nando Migueles

Llegó noviembre y Nando Migueles presentó en Tamañoficio “Precioso Imposible” dice Guadalupe Creche: 

“Para esta muestra Nando nos presenta un juego con (…) muñecas bajo la condición ineludible de que nunca veremos más que la espalda de los personajes que aparecen tanto en la sala, desprendiéndose de la pared, o en las vitrinas del aula. Solo se puede ver el detrás. La ropa, las poses, las posturas, los dobleces, el pelo y los zapatos. Nos provee de cuerpos en imágenes recortadas para que podamos imaginar todo lo que no vemos en esos rostros que no nos van mirar, nunca. Podemos leer la postura del cuerpo, la figura y el color y también el peso de la tristeza haciendo que una nuca se desplome”

 

Nando presentó obras de pequeño formato en las que trabajó con acuarela y gouache sobre papel, mientras que en la obra de mayor formato el trabajo que realizó fue el bordado con hilo de algodón sobre madera y gouache.



La muestra estuvo disponible hasta mediados de diciembre y contó con la colaboración de Alejandro Fanlo; Guadalupe Creche es autora del texto de sala mientras que el registro fotográfico es de Camilo Figueroa. Disponible en:  http://ramona.org.ar/node/71623 


Gustavo Nieto 

La exposición de la 109ª edición del Premio del Salón Nacional de Artes Visuales presentó 266 obras de artistas de diversos lugares de nuestro país. Durante septiembre y octubre se pudo visitar la exposición que fue distribuida en dos lugares: en la Casa Nacional del Bicentenario y en el Centro Cultural Kirchner, en Buenos Aires

Gustavo Nieto presentó su trabajo “Rigor Mortis”, que consistió en una intervención con la técnica de pintura tradicional sobre porcelana en once piezas dispuestas sobre una repisa forrada en acero inoxidable (Dimensiones, ancho: 150 cm, alto: 24 cm, profundidad: 25cm.)

Sobre este trabajo dice Gustavo: “Técnicamente la intervención proyecta un ángulo negro sobre las piezas de porcelana, está realizada con la técnica tradicional de pintura sobre porcelana, las sucesivas horneadas logran cubrir el blanco y el color produciendo que el negro penetre la capa vítrea de las piezas, creo que esta dimensión técnica donde intervienen el calor, el color y la piel de los objetos se vinculan con mi historia imaginada”


 

En noviembre Gustavo inauguró su exposición individual “El diálogo” un conjunto conformado por seis piezas: cinco de estas piezas realizadas con una técnica que está desarrollando en los últimos años y que consiste en engarzar clavos a lentejuelas y luego utilizarlos a modo de pixel. Estas piezas reproducen “capturas” espaciales de las cinco galaxias más próximas a la nuestra.

La sexta pieza es una tela montada sobre un bastidor totalmente bordada por lentejuelones plateados, sobre esta textura está estampada en una serigrafía en negro una frase que dice así: ¿te acordás de nuestro pacto de morir juntos?



Cuenta Gustavo “El nombre de este proyecto hace referencia a un ensayo escrito por Galileo Galilei publicado en 1632 llamado DIALOGO sobre los dos máximos sistemas del mundo ptolemaico y copernicano, en él Galileo hace manifiesto su posicionamiento en defensa del modelo copernicano (enfrentado al sistema geocéntrico) lo que enerva a las autoridades eclesiásticas y termina siendo procesado por la Inquisición.

En tanto, quiero rescatar (para mí en primera instancia, es decir, como la fuente que desencadena una idea) dos aspectos del enorme contenido de este ensayo, por un lado el método experimental que revaloriza la experiencia y por el otro la contemplación; sobre cómo “la observación” sobre lo desconocido (el universo_ en aquel momento_), llegó a descifrar verdades universales”

El texto de sala fue escrito por Florencia Qualina, aquí se puede consultarse el completísimo catálogo http://www.pastogaleria.com.ar/pdfs/pasto_PXrCX7hloilo.pdf


Rosalba Mirabella

En septiembre de 2021 se dio a conocer la lista de obras premiadas en el 109 Salón Nacional de Artes Visuales. Dentro del listado de 27 piezas está “Mi mamá abanderada, mi papá en Atenas”, la obra que presentó Rosalba Mirabella en la categoría cerámica y que cuyos materiales son acrílicos sobre tela, carbonilla, cerámica esmaltada, madera y fibrofácil

En la búsqueda de ir más allá de la bidimensionalidad de las imágenes con las que trabajaba en otros proyectos, Rosalba incorporó la cerámica y el armado de soportes o muebles. En este video producido por el Espacio Tucumán podemos escuchar a la propia artista relatando en qué consiste este trabajo.

 

En diciembre de 2021 su obra “Letanía”, una pieza de cerámica esmaltada acompañada de una grabación de fondo, fue elegida para formar parte del Patrimonio Cultural Nacional en el marco del Premio Adquisición de Artes Visuales 8M. La exhibición del Premio se hizo en el Centro Cultural Kirchner, en Buenos Aires. 

Este concurso ha tenido como objetivo principal revertir la conformación patriarcal del patrimonio cultural nacional y la situación crítica de la paridad de género en las colecciones públicas. La adquisición de obras de arte visuales de artistas mujeres y LGBTI+ es el inicio de un proceso primordial que tiene como fin promover un cambio colectivo que propicie la visibilización de estas subjetividades en nuestra sociedad. 

Esta obra Rosalba Mirabella despliega por medio de un objeto, palabras y sonidos, una serie de indagaciones personales con respecto a la historia de su familia. 

En este video puede disfrutarse de la obra

 

En diciembre también se dieron a conocer las obras ganadoras del Premio Fundación Fortabat 2021 Artes visuales, en esta segunda edición del Premio se inscribieron más de 2.000 obras de las que fueron seleccionadas 61 por el jurado para luego ser exhibidas en el Museo hasta febrero de 2022.

El jurado seleccionó la obra “Sueño de una papa II” un dibujo del cual la artista dice “Este dibujo es parte de otros ejercicios actuales con materiales simples como son el papel, el grafito y la carbonilla. Tomando imágenes realizadas por otras personas en ámbitos diversos de la cultura popular (diarios, sitios web o plataformas de viajeros) y enfocada sobre todo en el paisaje, combino distintas formas de trabajar, como el gesto pausado del dibujo detallista con líneas y tachaduras de distinta impronta. Otra vez enmarcada en un género preciso (el paisaje ahora como antes era el retrato, con mi trabajo sobre fotografías del álbum familiar) ensayo formas de desarmar, combinar y volver a construir imágenes que circulan y se repiten en la comunidad donde vivo. Por otro lado, planteo el dibujo como acción o performance a la vez que representación”


Cuenta Gustavo “Rosalba Mirabella y Rodro Cañás son artistas tucumanos que vienen trabajando conjuntamente en una investigación y producción de obra que ya ha tenido dos presentaciones en el interior del país. La primera muestra fue “La niña y el volcán” en Galería Un Muro con curadoría de Hugo Albrieu, La Rioja, 2019, fue una instalación diseñada para la casa con cerámicas de formato mediano, tapices y dibujos en carbonilla.

La segunda muestra también fue en una casa, se llamó “Todo comienza a enfriarse” una instalación que se montó en la sala destinada para muestras de arte contemporáneo en Tamañoficio, con curadoría y textos de Horacio Silva, montaje e iluminación de Alejandro Fanlo (Abril 2021). 

Una instalación con objetos cerámicos y carbón que llevaba al visitante a tener experiencias de todo tipo ya sea por el aroma, la temperatura o los sonidos que se generaban al desplazarse lentamente por el espacio con techo y paredes pintadas de negro. Desde tales antecedentes, pensaron este proyecto como una posible trilogía que indague las múltiples versiones del amor.

Aquí se puede disfrutar de un diálogo en el que reflexionan sobre este trabajo y sobre proyectos futuros https://www.instagram.com/p/CPRJ0Twq0D_/

 

Ana Won

Por su parte, Ana Won forma parte de “Adentro no hay más que una morada”, la exposición colectiva que actualmente puede ser visitada en el Museo Moderno de Buenos Aires y cuya Curaduría es de Alejandra Aguado.

La muestra reúne obras de treinta y cuatro artistas de distintas regiones de la Argentina que revelan una voluntad de canalizar y potenciar su vínculo con el entorno ‒ya sea material, intangible o incluso espiritual‒. 

 Ana Won expone en esta ocasión 5 pinturas en la pared y 2 pinturas/esculturas. 


La exposición se puede visitar hasta marzo de este año en el segundo piso del Museo Moderno de Buenos Aires.